Hiphopartiest Frank Waln spuwt Rhymes uit de reservering

Al te zien op de Vocalo en MTV's van WBEZ Rebel muziek, De 26-jarige Sicangu Lakota-rapper Frank Waln brengt een uniek merk hiphop omkaderd door het perspectief van een Sicangu Lakota-man. Frank ging met ons zitten om te praten over zijn reis van het Rosebud-reservaat in South Dakota naar zijn optreden op MTV, kunst produceren vanuit een inheems perspectief en trouw blijven aan zijn verhaal.

Je bent opgegroeid in het Rosebud-reservaat in South Dakota. Reserveringen zijn per ontwerp bedoeld om geografisch en cultureel afgelegen en geïsoleerd te zijn. Ben je blootgesteld aan veel hiphop opgroeien?

Voor mijn generatie was dat zo. Ik heb hier de laatste tijd veel over nagedacht, vooral met het platform dat ik nu heb, en ook bij het verkrijgen van een veel groter begrip tussen zwarte mensen en inheemse mensen, en zwarte Indianen. Proberen echt na te denken waarom hiphop zo resoneerde, met veel inboorlingen uit mijn reservering. Onze ouders groeiden op in country en rock, maar mijn generatie - ik, al mijn neven en nichten - luisterden naar hiphop.

Kijkend naar mijn eigen ervaringen, was een groot deel van de loting representatie. In die tijd hadden we niemand, geen inboorlingen op tv waar we naar konden kijken. De Natives die we op tv zagen waren zo stereotiep, zo gemaakt door de witte blik, we zouden ernaar kijken en we zouden naar onszelf en onze families kijken en zeggen: "Dat ben ik niet, dat zijn wij niet."

Toen ik voor het eerst naar hip-hop begon te luisteren - dit was voor het internet - werd de muziek die ik gebruikte doorgegeven aan de mensen die ik kende. Mijn oudere neven luisterden naar allerlei soorten hiphop: dingen van de West Coast, spullen van de oostkust, zelfs spullen uit Houston, Texas, van onafhankelijke labels. Ik kijk er op terug en vraag me af hoe het ons in de eerste plaats bereikte.

Toen ik eenmaal naar die muziek begon te luisteren, waren de dingen waar deze kunstenaars over praten dingen waar ik me in kon vinden. Ik groeide op in een arme kleurgemeenschap en hoewel we geïsoleerd waren, waren er veel parallellen. Dus we hebben allemaal aangetrokken tot die verhalen en die artiesten, want dat vertegenwoordigde ons zoveel meer dan Hollywood, de Indianen die we op tv zagen, en al die stereotype onzin. Hip-hopmuziek was dichter bij onze waarheid dan al het andere dat we hadden.

Wie waren je muzikale invloeden?

Het was met name één nummer, Nas '"One Mic", dat me echt enthousiast maakte bij de gedachte om hiphopmuziek te maken. Toen ik dat lied hoorde, dacht ik "Man, ik wil dit doen. Ik wil dit soort dingen maken. Ik wil op deze manier spreken. "Hij gaf commentaar op zijn gemeenschap, maar zei ook" we kunnen verandering creëren "en dat was echt krachtig voor mij. Outkast ook, omdat ze heel eerlijke muziek maakten, niet alleen de teksten en beats, maar de productie.

En ik ben nog steeds bezig met de muziek waarnaar mijn ouders hebben geluisterd: Hank Williams, George Strait en Creedence Clearwater Revival. Ik luister nog steeds naar die albums voor muzikale inspiratie. Waarschijnlijk is mijn grootste invloed, voor zover het muziek betreft en het spreken van mijn waarheid, een inheemse activist en dichter genaamd John Trudell. Zijn eerste album Tribale stem was hij het reciteren van poëzie over traditionele ceremoniesongs. Het is waarschijnlijk mijn favoriete album aller tijden.

Hoe was het proces van "Ik wil deze muziek maken!" Om het echt te maken?

Mijn generatie was de eerste generatie die daadwerkelijk muziek kon produceren op onze reservering. We komen uit een van de armste districten in de Verenigde Staten, dus er waren geen studio's; er was niets. Maar toen ik op de middelbare school zat, kreeg de grootste school op onze reservering deze beurs die elke student een MacBook bezorgde met een exemplaar van GarageBand. Nu ging ik niet naar deze middelbare school en moest sparen om mijn eigen MacBook te kopen, maar vanwege die beurs had je veel kinderen op de reservering die naar hip-hop luisterden, en nu voor de eerste keer konden we muziek maken op de reservering.

We hadden nog steeds ongelooflijk beperkte bronnen, maar we hadden GarageBand en een MacBook-microfoon. We hoefden geen platendeal te bemachtigen, of vijf uur naar de dichtstbijzijnde opnamestudio te rijden en studiekosten te betalen die we niet hadden. Plotseling, in de vroege jaren 2000, had je deze bron van al deze jonge, inheemse hiphopartiesten op Plains reserveringen die nu voor het eerst muziek van thuis konden maken.

Toen social media eenmaal groot werd, gaf het ons een platform om die muziek te delen. Vroeger, om in een studio te komen, had je ofwel een platenlabel nodig of iemand die je het geld of de ruimte wilde geven om het album op te nemen. En platenlabels kwamen absoluut niet naar reserveringen om talent te tekenen. Dus met sociale media hebben we mainstream-looks kunnen krijgen zonder afhankelijk te zijn van systemen die nooit echt ruimte voor ons hebben gehad.

We hadden het over isolatie, en wat veel mensen niet begrijpen is dat toen ze ons op reserveringen isoleerden, het ook de inter-tribale communicatie afsneed. Vroeger was inter-tribale communicatie zo belangrijk. Mensen reisden en migreerden; ze deelden kennis, verhalen en kunst. Dus een ander ding dat sociale media ons gaven, jonge inheemse kunstenaars, was de gelegenheid om de gemeenschappen opnieuw te verbinden, wat belangrijk was voor al onze kunst. Voor alle tours en MTV konden we Facebook gebruiken om shows te promoten bij onze reserveringen.

Ligt de muziek die je nu maakt dicht bij de muziek die je begon te maken in het begin van de jaren 2000, of zijn er wat overgangen doorgegaan?

Het waren totaal overgangen en fasen. Toen we thuis voor het eerst muziek gingen maken, hadden we gewoon plezier, man. Ik kijk terug en als een kunstenaar, ook al waren die vroege liedjes onzin en het zou me doen schrikken om naar hen te luisteren, ik en mijn vrienden en mijn neven en nichten hadden zoveel plezier. Stel je voor de eerste keer; je zou iets kunnen maken, iets kunnen creëren. Zelfs gewoon je eigen stem horen. Erbij zijn met mijn vrienden en neven en nichten rappen over domme shit was echt spannend. Zoiets hadden we nog nooit eerder, dus we waren zoveel liedjes aan het schrijven als we konden, gewoon plezier maken.

En toen kon ik genoeg geld sparen om een ​​klein atelier in de kelder van mijn neef te bouwen en vormde ik een groep met vrienden en familie. Ik was het, en mijn jongere neef Colin, mijn neef Andre Easter, een andere neef Tom Schmidt en een zanger genaamd Kodi DeNoyer. Dus er was een verbazingwekkende mengelmoes van invloeden: Colin en ik waren rez kinderen, Andre is een zwarte kerel die in Virginia optrad voordat hij verhuisde naar Rosebud, Tom, een zwarte inheemse militaire snotaap, en Kodi, een Lakota-zangeres, allemaal brengen van verschillende stijlen en perspectieven. Dus teruggaan naar invloeden, opnemen met die mensen heeft zeker gespeeld in het vormgeven van mijn geluid en stijl vandaag.

Voordat je muziek begon op te blazen, was je een pre-med student. Vertel me over die overgang.

Meteen vanaf de middelbare school kreeg ik deze echt geweldige beurs, de Gates-Millennium Scholarship, dus ik had dit gouden ticket om naar de universiteit te gaan. Ik dacht niet eens dat ik ging studeren totdat ik de beurs had. Dus ging ik naar de Creighton University in Omaha, Nebraska om pre-med gedurende twee jaar te studeren. In die tijd luisterde ik nogal wat iedereen om me heen zei. Waar ik vandaan kom, gaan niet veel mensen naar de universiteit, dus iedereen was als: "Frank, dit is je kans. Wees een dokter, wees een advocaat, kom terug en help ons, help je mensen."

Ik wilde absoluut helpen, ik wilde absoluut een genezer zijn voor mezelf en mijn gemeenschap, en in die tijd was ik de enige manier om dat te doen. Dus ik heb twee jaar pre-medisch gedaan en ik ben een beetje uitgebrand; Ik besefte dat medicijnen niet mijn passie waren. Muziek was, dus ik ging terug naar de rez voor een jaar, en besloot om alles in muziek om te zetten en uit te zoeken hoe ik dat als hulpmiddel voor genezing en helpen kon gebruiken.

Na een jaar besloot ik terug te gaan naar school, naar Columbia College Chicago, waar ik uiteindelijk mijn diploma behaalde. Ik begon me te mengen met andere kleurenschilders, die me hielpen om me te realiseren hoe ik muziek precies kon gebruiken als een manier om niet alleen mijn verhaal te vertellen, maar ook om de muziek als middel voor genezing te gebruiken. Sterker nog, het was deze ongelooflijke professor, een zwarte vrouw genaamd Claudette Roper, was de eerste persoon die me liet zien dat mijn verhaal iets waard is, en dat mijn waarheid krachtig is. Haar advies en mentoring hebben mijn carrière en mijn leven veranderd.

U noemde hoe belangrijk vertegenwoordiging is. Komt uw recente succes met een extra gevoel van druk of verantwoordelijkheid?

Het was in die tijd in Columbia dat ik me echt begon te realiseren dat ik mijn waarheid sprak en mijn verhaal vertelde. Ik heb geluk gehad: mensen begonnen op te letten. Ik probeer heel bewust te blijven. Ik ben een niet-ondertekende kunstenaar, ik ben een rez-kind van een van de armste reservaten in South Dakota, en hier word ik geïnterviewd door Playboy en verschijn op MTV. Niemand heeft dat ooit eerder gedaan, en daar houd ik heel goed rekening mee. Ik ben me bewust van elke stap voorwaarts, omdat ik in onbekende wateren ben, dus ik ben heel voorzichtig met hoe ik in dat opzicht vertegenwoordig.

Naarmate mijn platform vordert, wil ik altijd beter doen.Hoe kan ik betere muziek maken, hoe kan ik betere prestaties leveren, hoe kan ik beter worden in genezing? Het vinden van betere manieren om mijn waarheid en mijn waarheid en mijn verhaal te bewerken op een manier waarop mensen buiten mijn gemeenschap zich ook kunnen verhouden. Ik wil altijd een liedje zingen of een uitvoering geven die de rez Native-gemeenschap zal rocken, maar tegelijkertijd ook rockmensen in Duitsland.

Je hebt het afgelopen jaar door de Verenigde Staten en Europa gereisd. Zie je een verschil in hoe je wordt ontvangen nu je publiek meer divers wordt?

Nou, ik zal beginnen met te zeggen dat we exact dezelfde set doen, of we nu op de rez zijn, aan een universiteit in de VS of in Duitsland. Onze prestaties lijken erg op VH1 Storytellers. Verhalen vertellen is heel integraal voor mij als persoon, voor de andere artiesten waarmee ik optrad, en ook voor mijn eigen cultuur; de Lakota-mensen zijn grote verhalenvertellers. Dus ik doe veel aan contextualisering tussen nummers; Dit is waarom ik dit lied heb geschreven, dit is waar ik vandaan kom. Dus als ik op de rez speel voor Native kids, zal de contextualisatie anders zijn dan op een show in Duitsland, laten we zeggen, maar de set zal hetzelfde zijn.

Voor zover als ontvangen … het is wild, we krijgen liefde, ongeacht waar we zijn. De liefde is verschillend afhankelijk van waar we zijn. Ik begin de muziek net uit Indië te krijgen, en nu ik de tochten door het land heb gedaan en naar Europa ben geweest, begin ik dat echt voor het eerst te verwerken.

Thuis is de liefde dieper … en misschien is liefde het verkeerde woord, misschien is het waardering. Vooral van autochtone kinderen. Ze begrijpen wat ik doormaak en ik begrijp wat ze doormaken. Dus als ze iemand uit dezelfde worsteling zien komen, doen waar ze van houden, en trouw blijven aan wie ze zijn als een Lakota-kind uit een reservering, is die waardering meestal dieper. Het is thuis, dus het houdt me gecentreerd. Als ik naar huis ga en mensen zeggen "Yo, wat ben je in vredesnaam aan het doen? Je bent niet dezelfde Frank! Waar heb je het over in je muziek? "Het zou me laten weten dat ik naar mezelf moet kijken en erachter moet komen hoe ik van mijn pad afdwaal.

Buiten het Indiase land zijn mensen erg dankbaar voor de muziek en ook voor het perspectief. Veel mensen hebben nog nooit onze geschiedenis gehoord. Ze hebben nog nooit een uitvoering met inheemse dansen gecombineerd met dit krachtige verhaal gezien. Als we optreden, laten we het allemaal op het toneel, man. Ik huil bijna elke avond op het podium; daar liet ik alle woede, alle frustratie, alle pijn los. Dus het is een zeer krachtige prestatie. Ik denk dat niet-natives datzelfde perspectief zeer waarderen, en dat het op zo'n impactvolle en eerlijke manier werd gebracht.

En dit is waar muziek en kunst zo geweldig is. Ik zou bijvoorbeeld op het podium kunnen zitten en stapels Amerikaans beleid kunnen lezen, maar als ik een nummer kan doen waarin ik spreek over hoe dat beleid resulteerde in een specifieke gebeurtenis die traumatisch was in mijn leven, en de emotie door de voorstelling bracht, en laat het publiek die emotie voelen, het is veel effectiever. En overal zijn mensen daar dankbaar voor; het verhaal en de emotie, met de inheemse waarheid, wisten ze misschien niet veel over en maakten het echt, iets wat ze kunnen voelen. En ik ben dankbaar voor de kans.

Je muziek komt zeker uit een inheems perspectief, maar ook als een onafhankelijke artiest heb je de kunst kunnen produceren met een inheemse lens.

Naarmate mijn platform uitbreidt, probeer ik zelfs het inheemse perspectief te kaderen, zelfs in de manier waarop ik het definiëren van 'succes' bewerkstel. Ik ben een deel van dit inheemse kunstenaarscollectief genoemd Dream Warriors, gedeeltelijk gesticht door een ongelooflijke inheemse vrouw genaamd Tanaya Winder. Ze is een opvoeder, dichter, kunstenaar, redacteur voor een vrouw van een kleurenliterair tijdschrift en nu mijn manager. Dus met haar en twee andere inheemse hiphopartiesten die ze beheert: Mic Jordan in North Dakota, en Tall Paul uit Minneapolis, vormden we een collectief. We hebben geen jaloezie nodig, we hoeven niet voor een "plekje" te vechten, we hoeven niet te fokken … we moeten samenwerken. Voor ons is een groot deel van hoe we 'succes' definiëren, hoe we elkaar kunnen opheffen en kansen bieden aan andere kunstenaars.

Als collectief hebben we besloten om een ​​klein deel uit elke uitvoering te nemen, en dit in de richting van een studiebeursfonds voor inheemse middelbare school senioren die willen kunst in het hoger onderwijs te verkennen. We willen andere artiesten kunnen inzetten, zelfs als muziek niet hun medium is. We hebben de studie zelfs vanuit een inheems perspectief ingekaderd: we hebben niet gezegd: "Jouw kunst moet dit, dit of dit zijn", we hebben de aanvragers gevraagd ons te vertellen hoe zij definiëren hun kunst. Het eerste toepassingsjaar hadden we drie aanvragers: twee beeldend kunstenaars en een chef-kok. Voor mij was dat echt geweldig, dat deze jongedame koken zag als haar kunst. Dat is een zeer inheemse kijk op eten en kunst: koken, je mensen voeden, is liefde

Vanuit een historisch inheems perspectief is "kunst" lang niet zo zwaar gecompartimenteerd als in de westerse wereld. Voor mij was alles, van het jagen op Buffalo tot het opzetten van een tipi, een vorm van kunst. Het draait allemaal om liefde en gemeenschap, en voor mij uit te drukken dat, in welke vorm dan ook, kunst is die moet worden gekoesterd en verheven. Dus van ons collectief proberen we niet alleen muziek te maken, maar bieden we kansen vanuit een inheems perspectief.

Wat wil je dat mensen van je muziek afhalen?

Eerlijkheid. Dat is zo enorm, zowel persoonlijk als vanuit een muziekstandpunt. Of ze nu Natives zijn die op een reservering leven en de verhalen kennen die ik vertel, of dat zij niet-Natives zijn die deze perspectieven nog nooit in hun leven hebben gehoord, ik wil dat mensen de eerlijkheid in mijn muziek kunnen voelen. Dus waar je ook bent, je kunt zeggen: "Oké, deze man vertelt mijn verhaal!" Of "Hoewel ik niet bekend ben met dit perspectief, kan ik op geen enkele manier beweren dat hij zijn waarheid niet spreekt!"

** Wat komt er in 2016 op je af?"

In de komende maanden doen we shows in de Verenigde Staten en Canada. Later deze maand zijn we bij SXSW, vervolgens Lehigh University en het One Nation Film Festival in Colorado. Ik heb net een artist residency aan de universiteit van Delaware afgesloten voor april en het eerste deel van mei. Ik ga wat op de campus doen, maar in de eerste plaats zal ik in een kinderziekenhuis werken met een musicoloog en een muziektherapeut die de genezing van muziek met kinderen in het ziekenhuis onderzoekt. Het is een manier om te blijven leren en steeds beter te worden. Het voelt echt alsof het allemaal in de rondte komt - van pre-med tot het gebruik van muziek als hulpmiddel voor genezing voor anderen in een ziekenhuisomgeving. Ik ben heel blij dat ik die kans heb.

Natuurlijk is het grote nieuws dat ik later dit jaar mijn allereerste soloalbum laat vallen. Het heet Tokiya, wat het Lakota-woord is voor 'eerste creatie'. Een groot deel van mijn verhaal en het verhaal van mijn gemeenschap is hoe onze taal en cultuur zijn weggehaald als onderdeel van het kolonisatie- en genocideproces. Ik keek hard naar het raamwerk van hoe onze mensen leefden - de verhalen, de muziek, de taal, eigenlijk de manier waarop we ons leven leidden, want dat is kunst voor mij. Dit album gaat iets bijzonders zijn, het gaat over het opnieuw verbinden met mijn cultuur en mijn huis, en over mijn eigen genezing en ook vanuit het bredere Lakota-perspectief.

Ik werk met een hoop geweldige artiesten van thuis uit en over de hele wereld. Het gaat muzikaal een grote vrede van de kunst worden en ook de manier waarop het is ingelijst in het inheemse perspectief, dat ik erg zelfkritisch ben als kunstenaar, ik ben nooit echt tevreden met wat ik heb uitgebracht, maar ik heb nooit Ik voelde me zo goed over alles wat ik ooit heb gemaakt.